Mihirangi (Beat Vox) / Festival Barroquísimo Puebla (II)

Por Oscar Adad

Foto: Renata Gutiérrez / Festival Barroquísimo

El Zócalo de la Ciudad de Puebla está lleno y un concierto más del Festival Barroquísimo ha dado inicio. Desde que me acerco al lugar la incertidumbre crece y mis oídos se aclaran poco a poco. Mientras tanto, Mihirangi, aborigen maorí, ya está en el escenario echándose a la bolsa a cada uno de los presentes.

El nombre de Mihirangi no me decía demasiado en primera instancia, y jamás hay que confiarse de ese espejismo llamado myspace. Ni modo, hay que arriesgarse y asumir las consecuencias de las decisiones musicales. Sin embargo, con su actuación, la neozelandesa despejó todas mis dudas con un set en solitario basado principalmente en instrumentos y cantos tradicionales maoríes, beat vox y la interacción con nuevas tecnologías. No es gratuito que esta mujer haya actuado con artistas como Public Enemy, Arrested Development, Lee “Scratch” Perry y Michael Franti.

¿Cómo fue que te iniciaste en la música?

Mis padres son músicos profesionales, mi madre es cantante y mi padre es baterista. En Nueva Zelanda todos tocan la guitarra y cantan, es una tradición reunirnos en torno a una fogata a cantar y bailar danzas tradicionales.

Tienes una formación musical tanto académica como familiar, ¿cuáles son las diferencias entre ambas?

Es totalmente distinto. Cuando aprendes con tu familia, en tu propio ambiente, te sientes más seguro para empezar, es natural, tiene que ver con tu alma y con tu camino en la vida; cuando vas a la escuela es como aprender matemáticas, aprendes el lenguaje, escalas y todo eso, y cuando tocas con otros músicos ya tienes un lenguaje para hablar con ellos sobre música.

¿Cuándo empezaste a escuchar más música moderna?

Probablemente a los 16 años cuando me mudé a Australia que empecé a cantar en diferentes bandas.

¿Qué tipo de bandas?

¡Wow! Bandas de blues, de rock, de pop, heavy metal, de todo.

Es interesante la interacción entre los instrumentos tradicionales y la electrónica que utilizas.

Si, los instrumentos tradicionales normalmente están en el pasado, pero si los traes a la música electrónica adquieren relevancia, sobre todo para la gente joven que necesita más cultura de la que tiene, especialmente de culturas antiguas o que no son comerciales. Es una gran oportunidad para los jóvenes escuchar instrumentos y música tradicional a través del puente de la tecnología.

¿Cómo trabajas la improvisación en tus actos en vivo?

Definitivamente la utilizo. Esta noche hice un par de temas totalmente improvisados. Para mí, es una oportunidad de no ir al pasado ni al futuro, sino estar en el presente liberando algo que la consciencia de la gente y la tuya están creando en conjunto.

Finalmente ¿cuál es tu mayor inspiración en la música?

El silencio. Tú sabes, tu mente y tu cerebro están todo el tiempo hablando, pero cuando logras acallarlos y estar en silencio, puedes realmente escuchar a tu corazón.

Groove Collective / Festival Barroquísimo Puebla (I)

El cartel concerniente a la música durante ese fin de semana no se veía nada mal. El Festival Barroquísimo Puebla, entre sus numerosas actividades, mostró una curaduría muy cuidada y abrió un espacio para sonoridades poco convencionales de gran nivel: el jazz-latin-funk de Groove Collective; el beat vox de la neozelandesa Mihirangi, y el impresionante throat singing de la inuit Tanya Tagaq.

Foto: Renata Gutiérrez / Festival Barroquísimo

El primer acto presenciado fue Groove Collective, banda multicultural que ya ha visitado la Ciudad de México en par de ocasiones pero que se encontraba por primera vez en Puebla. El funk, el groove, los ritmos afrolatinos y callejeros que conforman su pegajoso estilo arroparon rápidamente a la audiencia que se notaba satisfecha en el zócalo de la ciudad. Ahí, Jay Rodríguez y sus cómplices, se salieron con la suya y ofrecieron un concierto dirigido hacia el soul y algunos covers de Prince y Eddie Harris. Al finalizar el show, cruzo la valla de seguridad y Jay Rodríguez, saxofonista y líder de Groove Collective, suelta algunas palabras sobre diversos temas.

Improvisación

La improvisación tiene que ver con la expresión de la vida. Cuando tienes vida puedes improvisar, sea en música clásica o en formato de jazz.

Nuevos lenguajes

En lo personal estudio mucha música clásica y jazz, pero lo más importante es tocar juntos y tratar de crear nuevos lenguajes.

Su visión del jazz

Aquí en México los mariachis, la música ranchera, son expresiones del espíritu, y de él vienen también el jazz y la improvisación, pero si la música solamente tiene la parte académica no tiene nada que ver con el jazz.

Sobre tocar música de los años setenta

No tiene nada que ver con un retroceso: la música es música ayer y hoy. El punto es la mentalidad y la perspectiva de tocar sin pensar en estilos determinados

Música y nuevas tecnologías

Me encanta porque hay gente que no es músico que hace buena música; es la prueba de que la música se lleva en el espíritu. Hay gente que estudia, obtiene muchos grados y es doctor, pero no hace música.

“No hago distinción entre música popular y música experimental”: DJ Rupture*

Por Oscar Adad

Neoyorkino de cepa. DJ Rupture es uno de los artistas que van en franco ascenso en la escena musical. Su peculiar estilo no hace distinciones entre música popular y experimental. Por ello, es común escuchar en sus sets desde bullerengues colombianos pasados por los más agresivos beats electrónicos, hasta llegar a estilos como el reggae y la música contemporánea, todo ello orientado a la pista de baile. DJ Rupture está en constante desafío con las barreras musicales y está dispuesto a derribarlas para crear un continuo sonoro donde culaquier estilo puede ser aliado de sus tornamesas.

Su mix “Gold Teeth Thief” fue el trabajo que lo lanzó a la fama en 2001 y, a partir de ahí, su carrera ha sido una constante en los círculos de la crítica especializada. No en vano ha aparecido en las páginas de la influyente revista The Wire y como invitado en par de ocasiones en las famosas Peel Sessions de la BBC.

¿Cómo nació tu interés en el DJ ing?

Tuve un programa de radio cuando estaba en el colegio. Siempre he amado la radio. Pero no me convertí en Dj de club hasta que escuché jungle. La música era increíble y necesitaba escuchar más y más. Después compré un par de Technics 1200 usadas y empecé a aprender. Un amigo que era DJ de house me enseñó lo básico en una sesión de treinta minutos y esa fue la única clase en mi vida.

¿Para tí qué significa el DJ ing?

DJ ing es una relación simbiótica con la audiencia, no sólo tiene que ver conmigo. Siempre estoy respondiendo al lugar en que me encuentro y a quién está ahí, son varios factores. Nunca planeo mis sets, todo es totalmente improvisado. Y es porque viajo mucho, todo cambia y me gusta mantener todo fresco en mis oídos.

Tienes diferentes proyectos ¿Podrías hablarnos de los más importantes?

Bueno, todos mis proyectos son parte de uno mayor que es el simple deseo de libertad musical. Lo que hago como DJ Rupture es el más grande pero también tengo una banda llamada Nettle que combina instrumentos y cuerdas del Norte de África con beats electrónicos. Además he hecho varias colaboraciones: el dúo con el guitarrista de The Ex: Andy Moore o haciendo música en vivo con el cineasta Jem Cohen

Tocas música experimental y música muy popular. ¿Cómo es que mezclas ambos estilos?

No hago una distinción entre música popular y música experimental. En mi mix“Gold Teeth Thief”, que hice en 2000 – 2001  (que se consigue gratis en internet) mezclo a Missy Elliott con locuras como breakcore noise, música árabe, reggae y todo tiene sentido. De hecho cuando lo hice, nadie lo pensaba, se convirtió en un gran éxito además de ser muy influyente. Fue básicamente una plataforma de lo que vendría después, y una de esas cosas fue que utilicé los lados experimentales de música realmente popular y también música súper avant garde en un contexto más de DJ y orientada hacia la pista de baile.

¿Podrías explicarnos tu acercamiento a la música popular en términos de derechos de autor?

Creo que el hacer música es un acto comunal, como una conversación más que un monólogo. Pienso que el abuso más triste que se da en términos de derechos de autor ocurre con cosas como los medicamentos contra el SIDA y las farmacéuticas que no permiten que se hagan versiones baratas. En música la mayoría de la gente hace dinero con conciertos en vivo. El bootlegging significa popularidad. Los derechos de autor significan riqueza concentrada.

¿Qué planes tienes para el futuro?

En noviembre de este año lanzaré un nuevo mix álbum: Solar Life Raft, el cual hice con Matt Shadetek y con quien además tengo un sello llamado Dutty Artz. En primavera sacaré un nuevo trabajo como DJ Rupture y me encuentro terminando un nuevo disco con mi banda Nettle llamado El Resplandor. La idea es hacer el soundtrack del remake de la película de Stanley Kubrick el cual no existe. Imagina que en lugar de Colorado las cosas suceden en Dubai. Así que nos imaginamos la banda sonora y la grabamos, está casi terminada.

*Artículo publicado en la revista DJ Concept. Octubre 2009

Aphex Twin, lo absurdo de la vanguardia *

Por Oscar Adad

Acercarse a la música de Aphex Twin pensando encontrar a un artista de la llamada vanguardia electrónica es un error garrafal. Si, a Richard D. James lo que menos le importa es ser un músico de “avanzada”, de esos que tejen un discurso sonoro ininteligible para la audiencia. Para él, la música hecha de forma compleja y cerebral es también compatible con las emociones, el sentido del humor y la pista de baile. Paradojicamente, esta postura es la que hace de él un artista de vanguardia: mediante la música propone la reconciliación mente-cuerpo, relación que ha sido un dolor de cabeza en la historia de occidente.

Richard D. James nace un 18 de agosto de 1971 en Irlanda, y desde muy joven se muda  a Londres con la idea de asistir al colegio. Sin embargo, siempre quiso introducirse en la música sin importarle si podía hacer una carrera dentro de ella: para él era una forma de ganar dinero fácil y conseguir una buena vida. Ya desde entonces dejaba ver esa actitud irreverente y desenfadada que lo llevaría a los primeros planos dentro de la electrónica experimental.

Drum´n´bass, techno, ambient, braindance, son algunos de los estilos dentro de los que nuestro artista se mueve con gran destreza, pero no hay que dejarse llevar por las etiquetas. Si bien se le relaciona con dichos géneros, el punto central que hace de James un productor poco común es la forma en que aborda la música y la falta de respeto hacia los convencionalismos y clichés.

En 1992  lanza el disco que lo delata como un genio de la nueva música electrónica: Selected Ambient Works 85 – 92, bajo el nombre de Aphex Twin (anteriormente había grabado EP´s y singles con una infinidad de seudónimos). Un disco que compila sus trabajos dentro del ambient, y si el escucha es perspicaz, se dará cuenta que en 1985 James contaba con tan sólo catorce años de edad (¿?). El material está manufacturado con percusiones y gran cantidad de sintetizadores modificados por él mismo, otra de sus especialidades y obsesiones.

El disco es un parteaguas dentro del género: sí, es ambient, pero no tiene referentes palpables de ningún otro artista. Esto podría explicarse por el hecho de que James es un hombre introvertido en su proceso creativo, no suele escuchar la música de otros para “tomar inspiración”, él busca dentro de sí todos los sonidos posibles para sus creaciones, incluso ha llegado a declarar que cuando está solo y completamente aburrido las ideas y la música empiezan a fluir.

Posteriormente, lanza Selected Ambient Works Vol II (1994), trabajo que lleva mucho más allá el género que su predecesor. Si el primero ofrece un sonido amable al escucha, este nuevo álbum revira totalmente y se muestra mucho más experimental y obscuro. Atrás ha quedado la idea del ambient como una música decorativa; ahora Aphex Twin lo presenta como una  música que quiere devolverle el protagonismo al sonido, demandando en mayor medida la atención del escucha e invitándolo a ser partícipe de la obra. Asimismo, el álbum se convirtió en punto de partida para varios artistas que empezaron a trabajar con sonidos más densos y abstractos.

Es la década de los noventa, la escena electrónica está a todo lo que da y Aphex Twin decide junto con Grant Wilson, viejo amigo del colegio, fundar su propio sello discográfico: Rephlex, marca disquera donde se muestra una de las ideas musicales más importantes del productor: el  Braindance, término acuñado para denominar un estilo que conjunta la complejidad, lo cerebral y científico de la música con lo divertido de las pistas de baile, y que se contraponía a la arrogancia a la que había llegado el IDM (Intelligent Dance Music).

Por otro lado, Rephlex (cuyo logotipo es un cerebro con pies) también da origen a los Bedroom Producers, una camada de productores que realiza sus tracks desde su propio hogar sin necesidad de un  cuarto de grabación. De hecho, es la forma en la que Richard D. James trabaja más a gusto, considera que la música adquiere más personalidad por no estar sometida a las presiones comunes de un estudio, además de “dar la posibilidad de trabajar desnudo”, afirma.

Es en Rephlex donde Aphex Twin utiliza uno de sus múltiples alias para editar, bajo el nombre de Caustic Window, una compilación de 13 temas donde vierte su lado más experimental. El disco es una especie de mosaico de las diferentes caras del productor. Por un lado, se pueden escuchar durísimos cortes hechos a través de sus instrumentos y máquinas modificadas hasta llegar a temas que buscan su lado más paisajista e introvertido.

Si el propio James ya había hecho referencia a las presiones inherentes al hacer música en un estudio de grabación, se puede aplicar el mismo principio a la compilación de Caustic Window. El alias como una forma de escape a las presiones, en este caso estéticas, y escabullirse del culto a la personalidad, práctica común en la cultura de la música electrónica. Por tal razón, el disco libera un sonido más claro que apunta hacia la música en sí, más allá de quién la realiza.

Pero no hay que perder de vista que Aphex Twin tiene un ácido sentido del humor y en 1996 bajo el cobijo de Warp Records lanza Richard D. James Album. Así es, utiliza su verdadero nombre y un close up de su cara en la portada del disco. Todo estaría en su lugar si le gustaran los reflectores, pero  él mismo ha dicho que prefiere, por sobre todas las cosas, que nadie pueda reconocerlo ni en la calle, ni en los conciertos. Más aún, rompe con una de las reglas no escritas de la cultura de la música electrónica al mostrar su rostro al cien por ciento en la tapa de un álbum, así como echar mano de su nombre real.

No obstante, la calidad de los temas contenidos en el material dejan en claro el por qué Aphex Twin es uno de los mejores productores de música electrónica. Ahora se introduce en los terrenos del drum´n’ bass y los ritmos rotos sin perder las melodías que lo caracterizan desde su trabajo dentro del ambient. Asimismo su peculiar sentido del humor se hace visible en el track Milkman, donde, además de cantar, cuenta una historia que deviene en una bizarra fantasía de un niño con la esposa del lechero.

Cerramos con uno de los discos que más llaman la atención de Aphex Twin: Druckqs, sí, Druckqs. Palabra inventada por el propio James para que el escucha-lector le dé su propia interpretación (ni lo piensen, no tiene nada que ver con las drogas). El álbum es un doble muy particular en la carrera del artista: las piezas son a partir de su trabajo con el piano tradicional, preparado y electrónica.

Desde que era un niño, ya había mostrado interés por el piano y sus posibilidades, pero el resultado no tiene nada que ver con los acercamientos de John Cage al instrumento y sus técnicas extendidas, al contrario. El disco está conformado por composiciones bien delineadas al oído que apuntan a lo emocional, a la economía de las notas, y si hay que hablar de la influencia de algún compositor en particular, ese es Erik Satie.

Por lo anterior, Druckqs es un disco que hay que tomar muy en serio dentro de la carrera de Richard D. James. El álbum es irregular y marginal dentro de los estilos que se le conocen, pero es precisamente lo que lo hace atractivo: muestra una faceta naive en su estética sonora, se percibe a un artista en “busca de”;  en un proceso que todavía no hace visibles sus frutos pero que deja abiertas muchas posibilidades. Definitivamente  puede considerarse el comienzo de una nueva etapa en la vida artística de Aphex Twin.

* Artículo publicado en la revista La Tempestad. Junio 2010. (Versión original)